Глава 10 Диего де Сильва Веласкес

Глава 10

Диего де Сильва Веласкес

Веласкес (Vel?zquez) Диего Родригес де Сильва – испанский живописец; родился 6.06.1599, Севилья (Испания), умер 6.08.1660, Мадрид. Учился у севильских живописцев Франсиско Эрреры Старшего и Франсиско Пачеко. Его первые картины выполнены в натуралистической манере и относятся к бытовому жанру: «Старая кухарка» (1618 год, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург), «Продавец воды в Севилье» (1620 год, Музей Веллингтона, Лондон) и др. C 1623 года Веласкес – придворный художник короля Филиппа IV. Уже первые портреты короля и наследника престола дона Карлоса (середина 1620-х годов, Прадо, Мадрид) не уступают лучшим образцам европейского портретного искусства. В 1630–1631 годах он совершенствовал свое мастерство в Италии. Религиозные картины, парадные портреты, исторические полотна зрелого Веласкеса 1630–1640-х годов представляют собой вершину его искусства, например, «Коронование Девы Марии» (1645 год, Прадо, Мадрид) и «Сдача Бреды» (1835 год, Прадо, Мадрид).

Последний год уходящего XVI века, 1599, подарил миру выдающегося живописца Диего Веласкеса. На рубеже веков в Испании многое менялось, происходили значительные исторические события. На испанский престол взошел молодой шестнадцатилетний король Филипп IV.

Родной город Веласкеса, Севилья, достиг к концу XVI века необычайного расцвета. Благодаря эксплуатации испанских колоний в Новом Свете в город пришли богатство и роскошь, были осушены находившиеся в окрестностях заболоченные местности, построены прекрасные здания. В Севилье начинают селиться поэты, художники, писатели: в этом городе с 1596 по 1600 год жил Сервантес. Здесь, в Севилье, по преданию, совершал свои любовные подвиги знаменитый Дон Жуан. Это было удивительное время в истории культуры и искусства Испании.

Менины (фрагмент)

1656 год. Прадо, Мадрид

Портрет Филиппа IV

1631–1632 годы. Национальная галерея, Лондон

Веласкес был старшим сыном в большой семье. Фамилия Веласкес досталась ему от матери. Отец художника по происхождению был португальцем и идальго, т. е. потомственным дворянином. Веласкес довольно рано определился с выбором жизненного пути и встретил понимание в своей семье. Поэтому уже в двенадцать лет мальчик был отдан на обучение к известному в Севилье художнику Франсиско Пачеко, вокруг которого была сосредоточена культурная жизнь города. Веласкес был самым внимательным и самым талантливым учеником дона Пачеко, чем снискал большую любовь своего учителя. Со временем дон Пачеко передал Веласкесу не только свои уникальные знания и свое мастерство, но и выдал за него свою пятнадцатилетнюю дочь. Поэтому в девятнадцать лет Веласкес стал художником с собственной мастерской, получил возможность приглашать учеников и брать заказы. На свадьбу родители подарили Веласкесу свой дом, его брак оказался очень счастливым, и внешняя канва его жизни складывалась благополучно. Немалую роль в этом сыграли и личные качества Веласкеса. Все, кто лично знал художника, отмечали его невероятное упорство в достижении цели и необыкновенное благородство.

Еще в Севилье работы Веласкеса отличаются новизной исполнения. В то время в Испании уже известен маньеризм Эль Греко, властвуют вычурные формы и изломанная линия барокко, но Веласкес пишет свои картины в сдержанной реалистичной манере. Героями его произведений зачастую становятся люди из народа, узнаваемые типажи, запечатленные в момент дружеской пирушки в трактире. Этот жанр «бодегон» (от испанского слова bodeg?n – «трактир, харчевня») получает широкое распространение в Испании в первой половине XVII века. И гениальность Веласкеса проявляется уже в этих ранних севильских работах.

Портрет Луиса де Гонгоры-и-Арготе

1622 год. Музей изящных искусств, Бостон

Портрет Филиппа IV

1623–1624 годы. Музей Медоуз, Даллас

В 1622 году Веласкес отправляется в Мадрид, где пишет портрет придворного поэта Луиса де Гонгоры-и-Арготе. Этот портрет был показан королю Филиппу IV и произвел на него огромное впечатление.

С 1623 года Веласкес становится королевским живописцем, и первый портрет, который он пишет при дворе, – это портрет короля Филиппа IV. Это портрет, удивительный в своей правдивости. Веласкес очень реалистично изобразил длинное лицо, голубые глаза, полные губы Филиппа IV, которому в тот момент исполнилось восемнадцать лет. Веласкес написал много его портретов, на которых можно наблюдать, как проходило становление личности Филиппа IV, как к молодому монарху приходила уверенность в себе, сменившаяся потом разочарованием и пессимизмом. Это полная психологическая картина личности, ее развития и изменения.

Филипп IV наделил Веласкеса особыми полномочиями, доверил ему писать портреты королевы Изабеллы Бурбонской и инфант, а также всех высокопоставленных особ Испании. Благородство, ум и высокая образованность Веласкеса способствовали установлению доверительных отношений между ним и монархом. Мудрость и достоинство, с которыми Веласкес вел себя при дворе, не позволили коснуться его никаким интригам и снискали ему уважение даже среди завистников.

Все портреты кисти Веласкеса отмечены тонким психологизмом и мастерством. Но в конных портретах Филиппа IV и королевы Изабеллы Веласкес использует еще один интересный прием, который иногда встречается и в живописи, и в архитектуре. Например, спуск к могиле Наполеона в Доме инвалидов в Париже устроен таким образом, что входящий вынужден наклонить голову и поклониться великой могиле. А Веласкес сделал парадные конные портреты королевских особ такого громадного размера, что, стоя перед ними, зритель невольно ощущает себя маленьким человеком перед лицом истинного величия.

Веласкес довольно редко писал картины на религиозные сюжеты. В музее Прадо находится одна из таких картин. Это «Распятие». По утонченности письма эта картина не имеет себе равных. Она настолько красиво написана, что заставляет нас забыть о страдании и боли, изображенных на ней. В ней ощущаются смирение и осознание высшей цели.

На историческую тему Веласкес написал всего одну картину. Но это полотно оказало значительное влияние на ход развития мировой живописи. Картина называется «Сдача Бреды». На ней изображен эпизод испано-голландской войны, когда испанцы принимают ключи от сдавшегося им голландского города. Традиционно в подобных исторических произведениях использовались мифологические мотивы, обязательно присутствовала крылатая богиня Ника или иные аллегорические персонажи. У Веласкеса ничего этого нет. Его картина представляет собой групповой портрет, безупречный по композиции, с великолепно переданным вторым планом и открывающимся вдали горизонтом.

На переднем плане слева изображены голландцы, их ряды расстроены, их лица в смятении. Справа – испанцы, их копья направлены вверх, а лица выражают собранность и готовность сражаться дальше. В картине нет ни капли пренебрежения к побежденной стороне, здесь ощущается уважение к достойному противнику. Эта картина Веласкеса стала тем стимулом, который вызвал коренные изменения в понимании задач исторической живописи.

Самая загадочная картина Веласкеса называется «Менины», что в переводе означает «фрейлины». Даже после смерти Веласкеса эта картина живет своей собственной жизнью и продолжает вызывать огромный резонанс в мире искусства. Многие художники создали свои импровизации и «ремейки» на тему «Менин». Пабло Пикассо посвятил несколько картин и более 120 рисунков переосмыслению этой темы. Своеобразная трактовка «Менин» встречается и у Сальвадора Дали. Теофиль Готье, увидев это произведение, спросил: «O? est donc le tableau?» («А где же здесь картина?»).

Распятие

1632 год. Прадо, Мадрид

Сдача Бреды

1634–1635 годы. Прадо, Мадрид

Вопрос Теофиля Готье передает потрясение, испытанное писателем от мастерской передачи Веласкесом световоздушной среды, благодаря которой пространство картины кажется реальным. Вспомним в этой связи, что и Папа Иннокентий Х, увидев свой портрет, написанный Веласкесом, якобы воскликнул: «Troppo verо!» («Слишком похоже!»). Ведь исторически развитие живописи шло таким образом, что объем, как правило, подчеркивался линией. Линия была главным инструментом передачи пространства. Но Веласкес впервые уходит от этого, и у него появляется эта световоздушная среда, благодаря которой кажется, что каждый предмет купается в воздухе. Это движение воздуха и объем достигаются легкими, почти прозрачными мазками и уникальным колоритом. У Эль Греко он взял серо-жемчужный цвет и развил, приумножил его оттенки. Сочетания этого цвета с черным, с красным, с голубым придают неповторимое своеобразие произведениям Веласкеса.

Но картина «Менины» необычна не только своим колоритом и световоздушной средой. Эта картина показывает нам частную жизнь королевских особ. Ракурс картины выбран таким образом, что зритель видит изображенную на ней сцену, как будто является одним из ее действующих лиц. На картине изображена большая зала, на стенах висят картины, справа падает свет, что очень редко для Веласкеса, потому что обычно у него свет падает слева. На заднем плане картины – распахнутая дверь, в которой виднеется фигура гофмаршала.

Действующие лица картины таковы: очаровательная белокурая инфанта Маргарита в серо-жемчужном платье стоит в центре. Она написана в детской непринужденной позе, она ребенок, веселый, довольный, обласканный судьбой. С двух сторон к ней склонились фрейлины, рядом изображена карлица, которых в те времена было модно держать при дворе. Среди придворных карликов было много мудрых людей, они развлекали монархов и напоминали им о бренности бытия.

Портрет Изабеллы Бурбонской

1631–1632 годы. Частная коллекция, Нью-Йорк

Конный портрет Филиппа IV

1635–1636 годы. Прадо, Мадрид

В левой части картины мы видим работающего у мольберта художника. Это единственный достоверный автопортрет Веласкеса. В руке художника кисть. Но кого он рисует? Инфанту Маргариту? Нет, он смотрит не на нее. Его взгляд направлен прямо на зрителя, который благодаря искусно выбранному ракурсу чувствует себя входящим в залу. Зритель находится на месте королевской четы, которую и пишет Веласкес, и которая отражается в зеркале, висящем в глубине залы, прямо напротив нас.

Эту картину Веласкес написал, когда ему уже было под шестьдесят, после нескольких лет, проведенных в Италии, которые дали ему очень многое, но главное, подарили ощущение свободы.

После возвращения в Испанию Веласкесу очень не хватало этой свободы. Ни одному художнику Испании XVI–XVII веков не было позволено писать обнаженное женское тело. Для многих художников это было настоящей трагедией, так как именно изображение обнаженной плоти позволяло раскрыть истинное мастерство и мощь живописца. Для Веласкеса ни желание высоких должностей, ни стремление к материальной независимости не могли сравниться с жаждой творческой свободы, с возможностью писать то, что требовала от него муза. Благодаря доверию и покровительству Филиппа IV Веласкес стал тем единственным художником, которому было позволено написать обнаженную женщину. Эта прекрасная картина называется «Венера с зеркалом»: на ней изображена обнаженная девушка с тонкой талией и изумительным по красоте телом. Она смотрит в зеркало, в котором мы видим не лицо греческой богини, а лицо очаровательной юной испанки в обрамлении воздушных серо-жемчужных бликов.

Венера с зеркалом

1647–1651 годы. Национальная галерея, Лондон

В заключение можно отметить, что удивительное мастерство Веласкеса состоит в его умении не просто показать предмет и изобразить человека, а передать фактуру его кожи, ткани, погрузить предмет в воздушную атмосферу так, что зритель действительно забывает, что перед ним картина, а не настоящая жизнь. На могиле художника начертана пространная эпитафия на латинском языке, в которой перечисляются его основные работы. Ключевыми словами в эпитафии являются «pictor eximius» (выдающийся живописец), и эти слова предельно точно передают нам суть творческой самобытности этого великого мастера и благородного человека.